Objetos perdidos, juguetes para rabiosos

Tuvimos la posibilidad de ver a Radiohead por segunda vez en Buenos Aires, esta, un poco más disipados, lejos de trapitos-pungas-policías, en la vulgaridad de nuestro lujo que tanto adoramos, living y oficina de Conga. El DVD pirata de la no publicación de aquel recital del 24 de marzo en el Club Ciudad de Buenos Aires nos llegó con la brillante clandestinidad a la que nos ha acostumbrado la web, esa tácita comprensión unánime: si podés acceder a una banda ancha, serás parte de la belleza comunista todo es de todos. Alivio y sensatez para los sean eternos tiempos capitalistas que corren.

Ya habrán visto alguna de estas ediciones, algo precarias en su formalidad, como cosméticos baratos del Once. En ellas uno se enfrenta a un delicado menú de opciones artesanal, no por lo sutil de su presentación, sino por la apariencia y acción que nos hace pensar, que muchas veces es temblar: “Esto se traba en cualquier momento”. Aunque, generalmente, la prueba es superada, ¿para qué ser cretinos, encima del placer nos quejamos? Esta copia entra en ese generalmente, así que abrimos la intro, el primer track, el segundo, el tercero, y nos contentamos, el sonido es óptimo, se robó prestado de la consola, y las imágenes, que liberó algún técnico descontento con su salario o poseedor de unas románticas ínfulas de delincuente, tienen una textura áspera, de ensueño, sin la indiferente definición de la tele y el video pro; algo cinematográfico hay ahí, hasta parece que la cámara cierra los ojos  por momentos cuando la simple realidad es que se corta la emisión, se enciende un preocupante fondo negro, y la música sigue su curso para nuestro consuelo. Algo de artefacto sensible hay ahí. Y uno, que no es un falso humano de plástico, vuelca una vez más emoción durante canción, emoción tras canción, hasta que irrumpe lo inesperado, acaso olvidado selectivamente. Cuando la banda interpreta Weird Fishes/Arpeggi, a Tom Yorke le desordena el gesto por un instante un zurdazo desde el campo. La zapatilla, certera en la cara del cantante, viene vacía, anónima. En ese entonces -el del 24 de marzo- pensamos que ningún boludo es tan boludo de quitarse su calzado para perderlo adrede y volver a casa con la anécdota. En un entonces de tres días más tarde nos enteramos de que el supuesto dueño subasta el proyectil en Mercado Libre, alegando su inocencia, por las dudas o por la culpa: “la perdí y luego vi cómo se la arrojaban a Yorke”. Voces creen, voces descreen.

No es este el primer objeto perdido que muta a juguete para rabiosos. Recordemos aquel encendedor dando en la cara de Linda McCartney hace ya tantos años. No es, tampoco, la primera reacción humillante desde el escenario: Yorke pega un gritito cuando la zapatilla se hace zapatillazo, abandona el canto unas milésimas de segundo que nos hacen pensar –ahora que lo revivimos en DVD pirata comunista/capitalista provoca más vergüenza-, que a veces es temblar, “esto se acaba en cualquier momento”, y examina el proyecto de proyectil sudaca. Yorke comprende: se sabe ante hombres delicados, con un menú de opciones artesanal para demostrar emoción durante canción, emoción tras canción, se sabe enfrentando al mejor público del mundo (¿aquí hace falta, a esta altura, un ejem mayúsculo?), y da el mejor show de nuestras vidas. Prueba superada.

Radiohead – DVD

Tener o no tener

Decapitar puede ser un sentimiento, un no puedo parar. Ustedes saben: a Ana Bolena, reina consorte de Inglaterra, y a María Antonieta, de mismo cargo pero en Francia, les tocó protagonizar el truquito, generalmente exhibido ante el empacho de súbditos y nobles sacados de rencor (aunque Bolena exigió función privada), de separar la cabeza, sea cual fuere la belleza anatómica que guarde u ostente, del cuerpo, todo ese tanto que solemos apreciar y juzgar con más sádica dedicación. Convengamos: aquel acto nada tiene que ver con la habilidad del ilusionista matriculado, ya casi caduca también, de desmantelar una mesa sin inmutar la vajilla que pasa de posarse en la tela a hacerlo en la madera. Porque no nos engañemos, que aquello no fue magia ni ilusión, fue pura carnicería.

Pero algo habrán hecho esas dos, la Ana y la María, primeras mediáticas en ser señaladas por los minúsculos de turno como pumas de bengala, leonas de la Metro Golden, para que las terminen como gallinas. Ok, no justifiquemos, ni acusemos sin razón, ni seamos necios, y mucho menos, hombres necios que acusan a la mujer sin razón. Tampoco nos dejemos dominar por la complacencia facilonga, hermanos de género, tratemos de ubicar nuestra admiración crítica en contexto. Pero, admitámoslo, qué fiaca gauchesca nos da el intento de entender el pasado con espíritu académico; seamos honestos con nuestros sarmientos de ayer y hoy, volvamos a mirar las últimas dos pelis que invocan a esas damas y sus circunstancias (The other Boleyn Girl, de Justin Chadwick, y Marie Antoinette, de Sofia Coppola), y mejor nos ocupamos como panelistas todo terreno –todo tormento- de nuestro presente. Entonces, aquella costumbre del primer viejo mundo, la de dejar al títere gubernamental (Real allá) sin cabeza, se hizo posibilidad y charla de café tras el reclamo del presidente de la Sociedad Rural, Hugo Biolcati, durante el último acto del Campo en El Rosedal: “hay que descabezar la gobernación bonaerense”. Y desató la polémica en los medios -en TN no hizo falta, allí anda como loca sin medicar. ¿No se percataron de que casi todos sus títulos llevan esa palabrita?-, y agitó las repercusiones oficiales, entre ellas, las del jebe de Gabinete, Aníbal Fernández, que acusó en rima primaria al ruralista de “golpista hecho y derecho que promueve un accionar contrario al derecho”, y del Ministro de Economía, Amado Boudou, quien interpretó de “lamentables y vergonzosas” a las expresiones porque tienden a un “clima de crispación”. Uno que aseguran cubrió al propio Biolcati, que, pobrecito, cuando le desean felicidad de fiestas manifiesta, obnubilado y en tic nervioso, “poco feliz, poco feliz”.

En contraposición, como ya relatamos, en el primer viejo mundo casi nunca andan con vueltas. Hay uno, inglés se sospecha en las oficinas de Scotland Yard durante las charlas formales de té, que, guardado en la niebla del crimen anónimo –como su ídolo, Jack el El Destripador-, anda decapitando celebridades y no tanto –interviniendo artísticamente- en las publicidades estáticas callejeras. El, claro, firma su desorden corporal como The Decapitator. Con maestría de bisturí, nuestro solitario caminante sin rostro (¿sin cabeza?), al que nos cuesta creer jinete, ya se dividió a Shakira –porque canta siempre en el mismo tono la misma canción-, a Daft Punk –porque cual piqueteros sudamericanos no dan la cara, y eso es de muy mal gusto allí- y hasta a los castísimos jóvenes de High School Musical -simplemente porque los envidia, los aborrece, ¡son tan carilindos!-.

En fin, ¿qué nos deja todo esto? Que aquí se nos va la vida hablando de mini revoluciones, mientras que allí van a los bifes, a los cuellos, bah.

Aitor: ¿Cuál es la mejor banda del mundo para vos?

Gabo: No tengo ni idea, no me importa.

Aitor: La mejor banda del mundo tiene que ser Juana La Loca.

Gabo: No, Aitor, me parece que no.

                                                                              Arrogante Rock, de Roque Casciero

 Carpeta: Adicta

“Yo estaba fascinado con Oasis, pero no creo que me haya influenciado demasiado”, confiesa Rudie Martínez, la mitad tecnológica de Adicta, cuando abre la Carpeta 1999. “Después lo de siempre… desde Kraftwerk hasta Black Sabbath”. Pero la respuesta más firme, acaso obvia, aunque no así menos valiosa, acerca de qué los motivaba por aquellos días es siempre “tocar Música”. ¿Qué otra intención tendrían estos yonquis del sonido luego de la desilusión que les proporcionó la ruptura de sus proyectos personales? Toto -la mitad vocal- disolvía a los Increíbles Ciudadanos Vivientes y Rudie a los San Martín Vampire (trío que completaban un ex Los Brujos –Fabio Pastrello, hoy en Fanfarrón- y un siempre Baccarat –Sergio Pángaro). “A mi me hubiese gustado tocar en Queen, pero no existían más (risas).”

Rudie y Toto se tropiezan tras sendos accidentes de bandas pasadas, y fundan, bajo el designio de las cajas negras, Adicta, su ciudad final, su situación en el mundo hasta hoy, la Carpeta 2009. “No sé como se verá desde afuera, pero nosotros grandes sobresaltos nunca tuvimos. Llevamos diez años haciendo discos y tocando sin parar, para nosotros es un éxito”. Al año de armarse desde los restos, graban Shh y el single Poco a Poco con la guitarra bruja de Pastrello; ya provocan los primeros alaridos. Más tarde, editan Miedo, para el que llaman a Fernando Nalé en bajo, Quique Illid en batería, Claudio Iuliano y, nuevamente, al ex Brujo en acordes sónicos. Otro puñado de más tarde después, invocan sutiles sismos que desordenan lo establecido: en la tierra revuelta pierden y ganan integrantes. “Intentamos cambiar disco a disco; musicalmente nos aburre hacer siempre lo mismo, y, en cuanto a la imagen, las mutaciones son más casuales de lo que parecen”. Es entonces que completan la primera etapa con el ep Tu Mal, que cierra lo vivido hasta ahí y enciende las expectativas propias y ajenas.

Con producción de Tweety Gonzales, graban Día de la Fiebre, que consolida la Carpeta 2005, otro gran año, repleto de festivales y mayor reconocimiento (aunque los mimos nunca faltaron) de la prensa pro y del público rock. “Es tan fácil tocar en Adicta, somos todos amigos y nos encanta lo que hacemos”. No paran nunca. Tras un show rabioso en el Teatro de Colegiales, editan su primer DVD, luego el ep Dosis?, para llenar la Carpeta 2006. Se presentan en todos los escenarios posibles hasta el año siguiente, en el que comienzan a ensayar las que serían las canciones de Cátedras (Ver Final Caja Emo), el álbum de dos capítulos ubicado en la Carpeta 2008.  

“Sólo la música”, repite naturalmente Rudie cuando le preguntamos qué los estimula a guardar en la décima Carpeta de Adicta un disco de versiones (Adictism) y crear la próxima con la correspondiente presentación a todo trapo –negro- en el ND Ateneo, el 18 de diciembre. Y suena muy bien que lo exprese así, obvio y encantador como cuando enumera las canciones preferidas de su mejor banda del mundo: “una de cuna (Mi Plan), una de dance floor (Vidrios), una de amor (Yo Necesito Amor) y una de rompimiento (Nos Dañas)”. 

Adicta festeja sus 10 Carpetas con la edición de Adictism, un disco de versiones, de temas nuevos, con la interpretación completa de Esquimal y un cover de Charly García, Plateado Sobre Plateado.

La presentación oficial es el viernes 18 de diciembre a las 24, en el ND Ateneo, con Proyecto Verona de grupo invitado.

ADICTA en Myspace

Distopía, nena

El futuro de la sociedad –que también es hoy- nos condiciona a la miserabilidad,  a la esperanza de pobre, a la sanción opresora de los mayores sin memoria (ellos nunca metieron la pata en la trampa de la evolución, ¿no?), a la TV en guerra de las perras y los gatos -¡algunos con botas talla 46!-, al murmullo y al discurso de la violencia estatal, al grito ahogado de los que no verán el DJ Set de Justice en ningún escenario/estrado, a la moda asesina del reo cada vez más inmadura, a la impiedad del hombre contra el hombre -la comida de los sonsos-, a las migas del almuerzo desnudo como lluvia nuclear sobre los patios contrafrente del medio ambiente, a la pureza radiactiva que todo lo mima, a la voz de los derechos humanos en la garganta rota, al principio de la melancolía latina, a la felicidad traga monedas, y a otras tantas maestrías, postgrados del dolor que son posibles, obvio, pero más llevaderos cuando Luis abre su boca de barro. Ya despiértate, nena, sube a la distopía al fin.

Plus Ultra

El vuelo del sello Ultrapop cumple -y dignifica- sus primeros diez años manteniendo la altura del sistema simbólico que une las coordenadas entre pichones nacidos para esto –la música y el delirio- como los internacionales Stereolab, The Breeders, Yo La Tengo, Cat Power, Cornelius y Café Tacuba, sumados a autóctonos como Babasónicos, Daniel Melero y Estupendo, entre tantísimo buen ejemplo por ahí. Un staff de especialistas y fanáticos que ha avivado el fuego sagrado en más de 800 recitales regionales y más de 20 giras fronteras afuera, y que ha compartido sueños con sellos amigos, desde Matador, pasando por Warp, Chemikal Underground y Bizarro, hasta Record Makers y Go4 Music.   

El plus de Ultrapop, como festejo y obsequio compartido, es la convocatoria que lanzaron para alentar el ánimo de despegue de los otros artistas. Serán bienvenidos proyectos de muestras, intervenciones, performances, instalaciones y eventos, que se realizarán de manera tradicional en su nidito de arte de la calle San Martín y/o como intervenciones no obvias para todos los espacios dispuestos allí, ya sea en la sala de muestras, pasillos, baños, fachada, restaurante, puertas, paredes y demás posibilidades. A pensarla.

Ultrapop en Facebook

Ultrapop en blogspot.com

Las ideas serán recibidas de lunes a viernes de 12 a 24 en Ultra, San Martín 678. O escribiendo vía e-mail a booking@ultrapop.com.ar.

“Es poca la gente que escucha cosas no mainstream”

Hay artistas que sólo crean a partir de la alegría, otros, de la desesperación. Todo es posible, todo es conjugable. Y la indie es una familia de desconocidos que siempre ha estado unida a estos espíritus extremos. En cualquier cuarto del planeta habrá un chico y una chica jugando con instrumentos análogos (cada vez menos) y virtuales (cada vez más) entre mp3’s favoritos, revistas de rock y buenas intenciones. La imagen del cliché que recurre a la parejita de músicos sensibles arroja nombres a baldazos: hay tantos, que no vamos a priorizar ningún ejemplo. Salvo por el dúo Dënver, oriundo de la comuna chilena de San Felipe (perteneciente a la V Región de Valparaíso en el Valle del Aconcagua), en el que canta Mariana Montenegro, una mantenida con sueños y pesadillas. “Yo no trabajo, aún me mantienen mis papás. Si has sacado un disco en formato del original es casi imposible sustentar los gastos. En cambio, si has grabado un disco en formato casero, es mucho más fácil. Aún así, es difícil, no sé qué pasa por acá, pero es poca la gente que escucha cosas no mainstream”.

Mariana y su amigo Milton Mahan, el que carga la otra mitad del sueño, crecieron como crecen los chicos de los interiores latinoamericanos: desatormentados. Quizás por eso, de adolescentes acercaron sus oídos al temblor de bandas noise y a la lectura de resistencia como primer sabotaje discreto al estancamiento. En el camino, la novela de escape de Jack Kerouac, fue la que inspiró su nombre en 2005. El ímpetu de esa influencia, sumado a la necesidad de tocar cada vez más y de profundizar sus estudios universitarios, les excitó la idea de instalarse en Santiago, donde logran compartir escenario con Gepe, Coiffeur y José Gonzáles, y asumir su crecimiento.  Tras unos meses de vida atormentada en la capital chilena, los fichó el sello Neurotyka, que les edita en volúmenes recopilatorios las canciones Anden 6, Miedo a toparme contigo y Los últimos veranos, y les propone publicar su primer LP (Totoral, de 2007) más la grabación de algunos videos, que profundizan el imaginario sonoro y lírico de sus temas. “Nuestros videos son autogestionados y por lo general la idea proviene tanto de nosotros como de quien lo dirige. Amigos de otras bandas o gente que hemos ido conociendo gracias a la música, los han dirigido”. A ese primer disco, que salió tras el EP Solenöide (2006), lo grabaron en situación casera, cotidiana, acatando la disciplina de la naturaleza dejada atrás hacía poquito, provocando una lenta inundación de canciones que fue anegando la nueva ciudad que los cobijaba.

“Hemos ganado un concurso del Gobierno para grabar el sucesor de Totoral, así que lo haremos en un estudio profesional. A medida que uno va tocando, va conociendo otras bandas y generando lazos. No sé si sea una escena, pero sí, hay grupos con los que simpatizamos y solemos tocar en vivo. Además compartimos a nivel de colaboraciones musicales, visuales o videoclip”. También los gustos mutaron: “Como he estado encargada de la parte orquestada del nuevo disco, me han influenciado La Buena Vida, E.L.O, Beach Boys, Buddy Richard, Barry White, entre otros”. El nuevo disco, “orquestado y electrónico al mismo tiempo” -adelanta Mariana-, cuenta con la producción de Cristian Heyne, “quién nos ha guiado muy bien hasta el momento” -cruza los dedos-, y será lanzado en marzo del año próximo. Para la grabación y los shows antes-durante-después de ella, el dúo ha sumado nuevos integrantes. “Nuestra idea siempre fue ser instrumental. Si antes no lo éramos, era por una cosa de recursos. Ahora, hemos tenido la suerte de conocer gente de otras bandas que han accedido a tocar en Dënver”.

Nosotros, que solemos escuchar música no mainstream, esperamos toparnos pronto con ellos en Buenos Aires: “Obvio que deseamos presentar el nuevo disco allá. Pero eso depende de si podemos contactarnos y producir bien algo”.

Dënver en Myspace

La estrategia de la estampa

Las fotografías de Irving Penn se remontan a un mundo hace tiempo perdido, ya que, en pos de ajustar razones, los años 40 en Nueva York, en donde comenzó su carrera a la eternidad mentando las tapas de la revista Vogue, son un hábitat cultural tan ajeno e imposible como el Parque Jurásico de Mr. Spielberg. Debemos tener en cuenta que la ciudad Sinatra aún estaba impregnada de una luz ribereña, que la radio era la modernidad y si no llevabas sombrero, eras visto como un ratero sin producción o un homeless desalineado. Hoy, los de la primera y la última calaña, llevan viseras o gorras de béisbol. La moda del reo ha cambiado, es cada vez más inmadura.

Las constantes que buscó el fotógrafo norteamericano fueron cierta elegancia, una feliz resignación en el gesto, del trabajador corriente y cierta determinación en profundizar la pertenencia del artista al status de lo prodigioso. Retrató a celebridades de toda moral como Truman Capote, Miles Davis, Stravinsky, Picasso, Ingmar Bergman, Janis Joplin, Hitchcock y Marlene Dietrich, y a common people como plomeros, vendedores, bomberos, carniceros y empleadas domésticas. La mirada de Penn ubicaba a ambos grupos en un estado no cotidiano para ellos, para nosotros, guarecidas sus espaldas por la nada, sin fondos ni signos, sin ambientes de utilería ni de realidad: el cuerpo del retratado a secas, calzando la estrategia de su estampa artística o laboral. A veces se desentendía de la gente, se ocupaba de sus sobras, objetos de dudosa prestancia, como colillas de cigarrillos, frutas podridas y ropa vieja. Y nunca dejaba que el aburrimiento lo alcanzara en su vida, en su trabajo; iba de Nueva York a París, de ahí a Londres, de ahí a Nueva Guinea, de ahí a Camerún, de ahí al desierto de Marruecos, de ahí a rodearse de tribus indígenas del Perú, las cuales retrató fuera de su contexto; recibió menos aplausos que críticas por esto. También, como todo hombre, tuvo su párrafo amoroso; en 1950 se casó con la modelo Lisa Fonssagrives, su otra obsesión favorita.

Ah, Penn se murió, o no se dejó alcanzar una vez más por el tedio, a principios de octubre; con 92 años aún vivía en Manhattan, rodeado de primitivos.

Dulzura degenerada

Hablar con Los Dulces es un viaje que enreda caminos de calentura rock, risas de humo y aventura musical. Podemos anunciarlos como unos extraños facinerosos, unos simpáticos embusteros que acuñaron un puñado de canciones degeneradas, festivas y amorosas para su primer disco, Sarandí (o todas las cosas), su cuna y gueto, capaces de ganar la confianza de Fabio Posca, dejarse cantar por Sergio Pángaro o tocar en el programa de Susana Giménez generando cierta empatía con la diva, salir airosos y sobrevivir al minuto a minuto para contarlo. También como unos malditos glam que, con el uniforme de piel humana todavía sin arrugas, no tratan de cambiar el mundo, sólo de divertirse; y eso, amigos indies, es el alivio arrogante que necesita el rock, aquí y ahora.

¿Cómo surgió el nombre del disco?

Julián (Voz y guitarra acústica): Sarandí es el barrio donde crecimos, de donde viene toda nuestra mitología, la de nuestros padres y abuelos. Creo que el primer disco de cualquier artista es el que representa su mirada del universo, o sea, su propio universo. Algo similar debe ocurrir con el escritor y su primera novela. Sarandí es un estado de la mente, o todas las cosas.

¿Por qué buscaron a Gonzalo Campos (ex guitarrista de Los Látigos, actual de Entre Ríos) para la producción?

El Vasco (Batería y otras percusiones): Era el único guitarrista con experiencia en el sonido Gibson que conocía. En un bar de Quilmes hablamos sobre nuestros gustos guitarrísticos y de las grabaciones del disco. Encontramos coincidencias y a la otra semana estaba mezclando (y todas las otras cosas) con nosotros.

¿Las colaboraciones fueron premeditadas o se dieron porque ciertos temas pedían algún un aporte externo, un color ajeno?

Julián: La verdad es que la grabación fue en un marco de relax y amistad (en la casa de la adorable familia Paravisi) y los mismos amigos con los que salimos en esas noches son los que grabaron en el disco. Sergio Pángaro debe ser la persona que mas nos apoyó y enseñó a lo largo de estos años y la verdad es que es un sueño cumplido que haya cantado una de nuestras canciones, y que, además, nos regale su amistad cada día. Todos los músicos que participaron coincidieron en ser gente muy divertida y en ser los artistas que más admiramos de la escena under local.

¿Cómo se dio la conexión con Fabio Posca?

Julián: Nuestro primer simple le llegó a la radio, le gustó y nos empezó a invitar a tocar a su programa de Rock and Pop. Nos morimos tanto de risa juntos que, supongo, eso hizo que confíe en nosotros para grabar las canciones de su espectáculo, Los quiero Muchísimo.

El Vasco: A El Gavilán se le ocurrió ensayar Mi torino colorado y  Quien se ha tomado todo el vino para el programa radial de Fabio, He perdido mi malla. Creo que ese humor afirmó la relación.

¿Cuánto de comicidad hay en su música?

El Vasco: La música es la vibración del aire, te hace cosquillas por todo el cuerpo. En mi opinión hay que tener buen humor.

Julián: No separamos nuestra vida de nuestras canciones, el humor es la única religión que conocemos en profundidad. Olmedo sería Jesús y Benny Hill, Dios.

¿Cuáles son sus influencias de ayer y hoy?

El Vasco: De ayer, los Beatles; y de hoy Bob Dylan.

El Alemán (guitarras): Elvis, Cream, Pappo, Kiss, Funkadelic. Ayer y hoy se mezclan todo el tiempo. La nostalgia es algo que esta en toda nuestra música. Se puede decir que uno revive un pasado, mitad creado mitad real, y se conecta con un sentimiento muy personal que tal vez nunca sintió. La música rompe la barrera del tiempo.

Elijan un tema del disco para toda la familia, uno para el fan y uno para el desprevenido.

El Vasco: Motorhome Barbi, para el fan.

Julián: Las Flores del Mal (Parte I), para toda la familia. Lo subliminal de la letra pegaría mucho también en algunas zonas de San Francisco, según me contaron. Gotas que caen sobre asfalto caliente será nuestro primer corte, así que supongo que agarrará a todos desprevenidos (risas).

Tocaron en diferentes situaciones, desde bares clandestinos, festivales mainstream hasta en el teatro con Posca y en el programa de Susana Giménez, ¿qué experiencias quedaron?

Julián: Además de miles de anécdotas y personas increíbles que conocimos de tanto tocar y tocar, fuimos aprendiendo a generar nuestro clima, el estado caótico de show de los Dulces a pesar de los disímiles lugares en los que tocamos.

El Alemán: Supongo que el hacer un buen show implica un acuerdo tácito entre los músicos, un conocimiento casi instintivo lo cual nos deja sentirnos unidos y cómodos en cualquier lugar. Creo que esa es la manera de relacionarse verdaderamente con el público.

¿Qué onda Su?

Julián: Noté que le parecimos bastante bonitos o, al menos, simpáticos. Por supuesto que jamás podríamos competir con (Carlos) Monzón. Ni en entrega, ni en aguante, ni en dimensiones (risas).

Los Dulces presentarán Sarandí (o todas las cosas) –editado por Discos Wacalas y Los Alegres Comediantes- el 20 de noviembre en el Roxy de los Arcos, junto a Los Pulpos.

Los Dulces en .com.ar

That they suck it

¿Qué tan freak y tan popular se debe ser para lograr la inmortalidad? Podremos vencer a esta pregunta en la muestra Mr. America, que revisita en pinturas, grabados, fotos, instalaciones y películas la obra docente de Andy Warhol. Será en el MALBA, en sus salas 3 y 5 (primer y segundo piso respectivamente), del 23 de octubre al 22 de febrero de 2010, bajo la curaduría de Philip Larratt-Smith.

Warhol-MALBA en .com